黄金时代的摄影50讲

第一章

为什么大师都拍黑白？

直到上世纪五十年代之后彩色摄影技术才成熟，一开始用于商业摄影。布列松：彩色摄影是狗屁。彩色很容易使摄影堕落。亚当斯：拍不好的人才用彩色。

黑白胶片技术成熟，不确定性小
黑白胶片便宜（做艺术准入门槛相对高，策展等等）
传播层面：早期的摄影（马格南）的目的就是为了大众传播。美国农业安全局组织了一帮摄影师，让他们去拍摄贫苦农民的生活，从而让高层看到，推动社会变革。沃克埃文斯则表示应该平视农民。沃克埃文斯在美国纪实摄影里非常重要，强调平等，平视。摄影是一种媒介，中性的、客观的视角恰好反映了这种媒介性。中平卓马：《为什么是植物图鉴》。大众传播的摄影和艺术的摄影其实是两种路线。Alfred Stieglitz。黑白摄影更好印，更容易传播。
黑白摄影是线条形状等几何元素的组合。加上色彩之后参数空间太大，就不容易创作了。换乱的色彩会抵消几何元素形成的规则。人最先看到的是颜色的。黑白摄影让摄影和绘画划清界限了。
跳出黑白摄影的舒适区是有风险的。

为什么从黑白开始练习

黑白抽象了现实世界，黑白放弃了再现世界。柴田敏雄

把拍摄对象的功能性暂时消除，用其影调、结构、线条、大小、位置（设计元素）等重建一个世界。用画素描的思路来拍照。

尝试把彩色照片变成黑白的，感受一下。“黑白+闪光灯”

灰阶控制好了才厉害

![[Pasted image 20220505011115.png]] 爱德华·韦斯顿

黑白照片，裸体女性，特别的姿势，光洁的肌肤：自然的美感
三角形、椭圆、直线、弧线。照片里充满了节奏和层次。黑色的三角形阴影，灰色的三角形腿。阴影和高光层峦叠嶂，带来的层次和节奏/韵律。
纯黑背景、地毯的灰色、左边墙的灰色，层次感很强。

问自己：看到了什么？看到的元素之间有什么关系？ Visual Thinking Strategy 视觉思维不是线性思考的，而是一种并行的。元素和元素之间的联系。

色彩原理

RGB的补色CMY

HSL：色相Hue会蒙蔽双眼。

何为新彩色摄影

摄影运动：新彩色、新纪实、新地形学。这几个其实并没有必然联系。新彩色是一个艺术运动，其余两个只是两次展览。艺术运动也叫艺术流派，是一种在艺术上具有共同宗旨和目标、被一群艺术家在一段时期内所遵循的潮流或风格。比如印象派、未来主义、超现实主义等等。

新彩色是从1976年威廉·爱格斯顿的展览到90年代末数码摄影兴起之前。

什么是新彩色摄影？摄影一般是以展览来改变摄影潮流的。1976年在MoMA（萨考夫斯基）举办了威廉爱格斯顿（当时还是个毛头小子）的个展，并且出版了展览目录册。威廉爱格斯顿的照片已经变成了“典故”“经典”。1981年在雪城伊弗森美术馆（贝聿铭设计）办了”the new color photography”的展览，45位摄影家，出版了同名摄影画册。新彩色的代表人物：威廉爱格斯顿，史蒂芬肖尔，乔迈耶罗维茨，乔斯坦菲尔德。还有英国的Paul Graham

新彩色摄影要干什么？是要用彩色来呈现艺术。1960年前后，彩色摄影技术刚刚成熟，彩色摄影经常被用于商业、世俗活动。到底怎么做才能让彩色摄影变成艺术呢？

什么是艺术？去看《为什么那是艺术？》这本书

摄影诞生时期的任务是记录，就像新闻一样。越战时期，大家都在拍黑白纪实摄影。1975年之后世界格局稳定下来，才慢慢让摄影变成了艺术。

爱格斯顿不是第一个拍彩色的人，也不是第一个办彩色照片展览的人。他之前的艾略特·波特 (Eliot Porter，纯拍自然风光，还是绘画的思路) 和恩斯特哈斯（马格南的成员，到纽约之后用彩色拍城市风格，他的照片几何性很强，很接近于绘画，也有一些纪实性，但对摄影语言探索不多）。

新彩色的摄影家拍日常生活，完全不是绘画的思路。平庸、无聊，不刻意讨好观众。波普艺术不再强调艺术品的唯一性和神秘感，刻意营造一种容易复制的感觉。不经意的、业余的、随意的拍摄，正符合了这种思路，也正是波普艺术的表达。“刻意地拍出不那么刻意的照片”

新彩色摄影摒弃了传统摄影对公共意识形态的教化倾向，不追求宏大叙事，转而拍摄日常生活，借助色彩这一新工具对日常社会景观进行审视。寻常之下的不寻常。

复杂的色彩：Joel Meyerowitz

Joel兼顾了摄影的艺术语言（艺术摄影）以及摄影的题材（普通审美）。他什么题材都拍过，街头摄影拍的很好。Joel热衷于传播摄影知识，很喜欢上镜、开课。他和Shore是一体两面：Shore探索的是摄影语言，Joel探索的是摄影题材。Shore是理论的摄影，Joel是技法上的摄影。

Shore和Joel都是纽约人，但貌似没什么交集。Joel是OSU毕业的，后来