西方音乐欣赏 Enjoyment of Music

第一讲 02/19/19

如何入门、如何听歌曲、如何听器乐、如何听人（作曲家 —> 演奏家）、如何听美、如何听道（音乐的哲学，不同历史、文化如何理解音乐）。终极目标：面对陌生音乐的时候，如何听明白它。

20世纪西方音乐笔记

欣赏方式：

1. 健脑化欣赏

一种消遣形式的欣赏，刺激大脑不常使用的区域，通过音乐提高脑的年轻态。耳廓，鼓膜，耳蜗，耳蜗上有很多听觉纤毛。音乐可以同时将脑皮质反射区面积达到最大（～1/3）。健脑化欣赏的重要部分是有歌词的歌曲。健脑化欣赏的最大目标是保持你的“感觉”，让脑工作锻炼起来。

世界音乐Enya的歌曲四个要素：vocal歌曲，结构简单，规则容易跟从，画面帮助。歌曲利用MV的形式加入了更多吸引人的成分（图像与动态）。

世界音乐Secret Garden来自挪威，vocal与器乐结合紧密，比Enya抒情平静。

Vocal Bass Beats，歌曲/部分器乐的三要素。A Capella (Borrowed from Italian alla cappella (“in the manner of the [Sistine] chapel”)

2. 科学化欣赏

科学音乐产生了作曲法（J. S. Bach）。音乐可视化、图像化、AI。通过音乐的方式，促进智力发展（研究群论）。

例子：crab canon from Musical Offering （羽管键琴）；大家熟知的卡农。

声音的四个要素：高度长度强度音色。音乐是数学排列时间的艺术。作曲法形成之后，创作音乐需要系统学习。德奥音乐成功的背后是德奥强大的哲学、数学、工程。

音乐的史纲

西方音乐是一个历史与地理共同作用下的文化体，该文化的历史段分全球学界公认为7个阶段： （1）古希腊古罗马时期（公元前11世纪的荷马时代~公元5世纪）。古希腊罗马（BC11-AC5）悼亡歌曲《塞吉洛斯的墓志铭》，情感克制。 （2）中世纪时期（公元5世纪~公元16世纪）（文化中心：法国）。感情被宗教剥夺，音乐用来与上帝交流，以及用于礼仪。格里高利圣咏是单声部（男生无伴奏，为上帝而歌，肃穆庄严），后来发展到多声部（奥尔加农是一种二重唱复调音乐）。（Mass弥撒） （3）文艺复兴时期（公元16世纪~公元17世纪）（文化中心：意大利）。目标是复兴古希腊雅典的音乐，实际上反对神权文化，多声部音乐发展，器乐长足发展弥补vocal单调的不足。 （4）巴洛克时期（1600年~1750年）（文化中心：德奥）。JS Bach，维瓦尔弟Vivaldi，亨德尔。 （5）古典主义时期（1750年~1810年）（文化中心：奥地利维也纳）。Haydn，Mozart，Beethoven为代表。作曲法成熟，克制的激情。

（6）浪漫主义时期（1810年~1900年）（文化中心：欧洲）。风靡欧洲，Debussy，柴可夫斯基。表情丰富，激情奔放。马勒：表现主义。 （7）20世纪时期（1900年以来）（文化中心：从1945年前的维也纳、巴黎和伦敦转向1945年以后的纽约）

二十世纪流派林立，音乐种类繁多。

宏观特点： 【关键词1】散而有序（散：地域，音乐活动中心的移动变化；序：时间，时间的连续性） 【关键词2】乐以表情（早期音乐用于宗教活动，西方人最终探索出了用音乐来表达情感的办法。）

聆听样本：肖斯塔科维奇《大提琴协奏曲》。

音乐的风格

style是尖头笔。乐府：秦代建立，汉代发展。使命：采集民歌，保存文化（采风）。

风 → 民歌 格 → 样式

音乐风格体的构成要素有6个： （1）旋律Melody（歌曲） （2）节奏Rhythm（节拍Mete/Beats为先，固定的时间值。节奏是基于单拍子即单个点的变化的时间。） （3）和声Harmony（音响的协和关系） （4）织体Texture（单声织体——单旋律线条；主调织体——主旋律＋伴奏，有主次关系；复调织体——很多旋律，没有主次只有先后）例子：卡农 （5）音色Timbre（不同声音的色彩） （6）曲式Form（音乐的构成形式——两段体曲式：A＋B。范例：前奏＋A＋B） 认清了什么是音乐的风格，就能去主动了解音乐的风格，学习明白音乐的风格。

穆索尔斯基：图画展览会，回旋曲式。

第二讲 02/26/19

世界音乐 songs of the fire，熊熊篝火燃烧时产生的音乐。Yule log. 世界音乐让人放松。

Angel of healing: 古典音乐与流行音乐1:1混合。久石让是世界音乐的。菊次郎之夏天，音色钢琴，旋律是日本童谣的，是世界音乐的典型做法。世界音乐将流行和古典的优点集中起来，缺点隐藏起来，让所有人都喜欢。

贝多芬 黎明奏鸣曲 第三乐章 就是世界音乐的例子。这个乐章的主题是莱茵河下游民歌的旋律。第三乐章大小调交换明显。大调温暖明亮，小调阴柔婉转。将通俗旋律运用技术展开成复杂形式，也是世界音乐所运用的。

每种音乐都有自己的史纲有自己的风格。脱离了对音乐风格的把握，音乐的发展和史纲就无从谈起。

3. 实践化的欣赏

需要听众投入和参与进去，成为音乐的主人。跳舞、唱歌、演奏。

实践化法宝第一：样本比较，同一作品找不同版本来听。互为参照，拒绝盲从。贝多芬 《热情钢琴奏鸣曲》。作家的曲子是音乐时间方案，需要演奏家去实践。如同菜谱，不同厨师做出的菜可以完全不同。

Arthur Robinstein是波兰人，是演奏肖邦的大家，含蓄敏感内敛。Fazil Say是土耳其人，演奏风格狂野奔放。

《A大调钢琴奏鸣曲第三乐章》土耳其进行曲借用了土耳其的打击乐节奏，用钢琴模拟土耳其军乐打击乐，而非借用土耳其的旋律。左手锣鼓，右手是号角。

实践化法宝第二：找最爱。找到某段音乐最喜欢的部分。循环播放反复听。没有一个作品是从第一个字开始写起来的，艺术创作通常不是从头到尾的线性过程。所以找到自己的最爱，去主动听音乐。带着侦探心理和寻宝态度。与时俱进，有备而来。

实践化法宝第三：打入音乐，参与音乐创作和再创作。做过饭的和吃过饭的不一样。Lips synchronization。可以提升感同身受。将实践音乐融入生活。

听觉纤毛是肌肉运动

注意力需要集中

熟能生巧

情感与理智综合发展，更多美的来源

通过练习和重复，可以增加包裹axon轴突的物质，从而使得信号在轴突上传播时更少丢失。

音乐的空间

“音乐是流动的建筑，建筑是凝固的音乐。”

  1. 音乐的线条：音乐随着时间方向的变化。

    卡农：轮唱。

    听东西不在多，在得法。

    本杰明布里顿《青少年管弦乐指南》（指导如何聆听交响乐）核心旋律线条有： （1）单线条运动态：主题明确 （2）多线条空间运动态：协同合作

    音乐的空间是由运动的声音线条完成的，运动的线条是音乐空间形成的第一要素。

  2. 音乐的段落：作曲家有组织的使用音乐线条形成的结果。

    段落好比屋子，一个大建筑需要好多不同的屋子。我们看到的紫禁城并不一定是全部的紫禁城。

作曲家创作音乐时通常心里都有一个音乐空间的框架，然后依靠框架向其中填东西。音乐作为伴奏，与其被伴奏的旋律需要有何种关系？

音乐的时间

荒腔 off tune、走板 off time、不搭调 off key

  1. 节拍型 Meter Pattern

    三拍子 triple meter 常见于舞曲

  2. 时值型 Duration Pattern

  3. 节奏型Rhythm Pattern

    人们对节奏性的判断不断被音色所干扰。

    法国 圣桑《动物狂欢节》 俄国 穆索尔斯基《图画展览会》

  4. 重拍型Accent Pattern

  5. 速度型Tempo Pattern

    1816年（梅尔采尔）梅氏节拍器

    一个四分音符 = 60，意思是一分钟60个四分音符

这个世界很混乱，人类的存在是去寻找有顺序有逻辑有美感的东西。

作业：命运交响曲

第三讲 03/05/19

音乐风格的争议：风格不是法律术语；歌曲是复杂的风格曲，定义音乐的剽窃很难定义，剽窃旋律最常见。

Vivaldi 580 / Bach 1065. 意大利是西方弦乐发源地，巴洛克弦乐集中地。弦乐和美声唱法相互模仿。

巴洛克晚期三杰：Vivaldi，亨德尔，JS Bach。Bach也抄过别人的。

MC = main character

4. 精锐化欣赏

保持脑的年轻态，

精锐化欣赏的前提是调节好情绪

强烈依赖于个人经验 和音乐互动合体 听音乐的同时也听到了自己 成为灵魂的镜子 因时间而存在的流体几乎等于人类的灵魂

中西互证 货比三家 综合分析 作曲家人格 + 作曲风格 + 聆听者风格

西方音乐厅保留了宗教传统

Bach：只能在教堂里刷存在感，为上帝-为主子-为儿子

海顿：一生都是宫廷的仆人

贝多芬开始处理音乐家与社会生存的关系

卡拉扬和critical thinking

  1. 音乐中的重复是一种更新

  2. 听音乐的顺序：音乐体量，速度，拍子，音色，旋律，结构

    体量：响度+长度

    速度：跟听众性格和气质相关

    节拍：体现音乐的规则性

    音色：timber

    旋律：音乐线条，表达感情。可以是一个motive动机，动机结合起来构成旋律。

    结构：曲式，音乐体裁，sonata， concerto。。。

  3. 听叙事

    1. 音乐是有上下文的时间流体
    2. 德国音乐：分门别类，充满整洁设计感。低音厚重，贝多芬常常将动机安排在低音区。
    3. 独创旋律，没有像Bach一样，以动机为细胞构建整个个体。
    4. 反映个人心路历程1804-1808，已经知道自己要聋了。
    5. 贝多芬用4个音的动机完成了4个乐章。贝多芬将人的心里、人生、体验融入到了交响乐中，而非巴洛克时期的宗教机械感。

贝多芬第五交响曲

  1. 第一乐章：命运的残暴和伪善，对耳聋的反抗

    1. 第一四音主题：你去死吧！
    2. 第二八音主题：人生如此灿烂辉煌
    3. 动机变调变慢

    贝多芬音响设计确实不一样。

    第一乐章结尾：命运不可战胜

  2. 第二乐章：思考人生的过程。从希望到叹息，一次比一次强烈。

    1. 希望 — 坚定 — 质疑 — 坚定 — 质疑 — 没有坚定了
    2. 更大的希望 — 坚定（加入了低音）— 质疑 — 坚定 —
    3. 斗争 — 机关枪（低音部分出现）
    4. 更更大希望 （完全无叹息）— 休息（木管）
    5. 斗争（低音加入）
    6. 希望渺茫 — 坚定希望
    7. 最后一次希望 — 叹息 — 坚定的cycle

  3. 第三乐章：

    1. 命运恐吓 — 第一次反击动机（机关枪，低音给力， xxxxXXXX）
    2. 第二次反击动机（低音为主，音响宏大）Fugue？？？？
    3. 反击动机，预示着全面反攻
    4. 胜利动机！音响！
    5. 幻想交响曲

贝五/七：Carlos Kleiber, 罗马尼亚指挥家 Sergiu Celibidache

德奥音乐的特征：高度克制前提下尊重形式美感；结构整洁，秩序感，做人做事有边界，这就是classic的意思（有教养的）。

第四讲 03/12/19

西城故事、美洲美洲：音乐剧

Trombone For Two: Be-Bop是爵士乐后期最高即兴炫技风格的称谓，给定主题后，每件乐器挨个即兴。上海曾为远东爵士乐中心，1949年以后Jazz在中国大陆绝迹。Igudensman & Joo二重奏土耳其进行曲。

Das Gelbe Vom El: 威廉退尔

听到重复的乐段会加强内心情感和共鸣

Fantasi Symphonie: Idee Fixe 固定动机

Dies Irae melody 中世纪圣咏《末日经》

第五讲 03/19/19

法国音乐：用音乐描绘一个景象。电影诞生在法国。（亚麻色头发的少女）

柏辽兹借鉴了贝多芬第六的“音乐与文字”的关系。柏辽兹将德奥交响乐的配置改进成了浪漫主义风格。德奥音乐统一性至上，法国人加入了色彩性。

即便文字对音乐如何解释，音乐总是独立的客体。很多人想用自己的独特的方式对幻想交响曲进行解释（文字、舞蹈、动画等）。

贝六是标题交响乐：田园，每个乐章都有标题。迪士尼演绎版本。

《现代启示录》。瓦格纳《女武神的飞驰》（瓦格纳是贝多芬的粉丝）：三拍子进行曲。描述风声等弦乐，既有进行曲又有风声。卡尔·奥尔夫。

从具象的东西中摆脱出来，非常不容易。语义性信号占据了人类记忆的大多数。

  • 中国音乐的章回体 Chapter style：十面埋伏
    • 中国人在文学中喜欢章回体，基于段落和标题明示。欧洲音乐在乐章和动机的对比中展现精华。
    • 文人听音乐是要背诵小标题的。中国传统音乐的创作走的是“命题作文”的格式。中国音乐带有极强的画面感故事感的倾向，语义感很强。故事的具象性和音乐的抽象性正好相反。
    • 刘德海先生演奏
    • 列营、擂鼓（打鼓的节奏）、走队（有bass低音的）、排阵（有点旋律性）、埋伏（旋律性）、小战和大战（打击声，越来越快，兵器相接的声音，这段很长，包括了很多不和谐的声音，是来比喻战斗）、呐喊（右手极速拨弦）
    • 学生认为：十面埋伏有学完的时候。其实错了：青出于蓝而胜于蓝。

重复：音乐的横向再现，立体的布局方法。十二平均律：将24个大小调的转换实验了一遍，体现了主调和复调音乐的关系。Bach最重要的是：实验了重复。

十二平均律成对编组，一首前奏曲加一首赋格。赋格Fuga：拉丁文追逐之意，声部之间相互追逐。不同线条追逐之后撞在一起，形成了高潮。

平均律第一首前奏曲C大调：固定音型重复。赋格：纵向重复。中国音乐讲究线性，西方音乐重视立体，从而映射到东西方的思维模式上？Critical？

交响乐中也常见Fugue段。古典主义时期，Fugue技术已经不太流行，但是仍然作为达到音乐高潮的途径之一。“重复是人类本质”。

贝多芬热情奏鸣曲：重复的重要性。奏鸣曲 Sonata：A呈示部 + B展开部 + A’再现部。

圣桑，保罗杜卡：音乐和画面、音乐和叙事的关系。骷髅之舞，魔法师的弟子。

第六讲 03/26/19

标题音乐program music 与绝对音乐absolute music：歌剧/舞剧配乐作为标题音乐存在，重点在舞蹈上而不在音乐上。歌剧/舞剧音乐需要满足连环画和讲故事两个要求。

康康舞曲

Present always contains the past. 非洲人通过击掌、拍大腿来创造节奏，从而让他们记住他们来自哪里（奴隶主不准他们演奏乐器）。

黄金三镖客

波列罗舞曲：器乐曲一旦变成舞曲，则其独立性就会降低。

标题音乐听人讲故事，绝对音乐自己编故事。标题音乐需要其他因素介入，音乐的独立性纯粹性不足。标题就音乐的名字，器乐曲被标题化就让人觉得“听懂了“。绝对音乐抛弃其他注解音乐的因素，音乐是音响本身，音乐只可意会不可言传，音乐就是它自己。标题音乐历史长于绝对音乐，在西方浪漫主义时期，标题音乐慢慢发展成了潮流。标题音乐是有题诗，绝对音乐是无题诗，标题音乐产生群体效应，绝对音乐在于个人感受。标题音乐的哲学前提是假定音乐作品一定存在相应的内容。标题音乐认为音乐有意思，所以他才去解释。

西西里舞曲：标题形同虚设吗？乡愁、怀旧。竖琴神来之笔。

西方音乐的两种模仿：器乐模仿人声、音乐模仿自然。Vivaldi是模仿自然万物的大师，他还模仿意大利语。《风雨飘摇心似火烧》。Vivaldi一生都在威尼斯，是女修道院的音乐主任。四季：四部分十二个乐章，每个部分都有诗文搭配。四季每个乐章都有详细的注解。

日本三弦也模仿海浪、花花草草在风中摇摆。

亨德尔是巴洛克时期最伟大的声乐曲作家。

幻想交响曲之后标题音乐开始流行。Program的另一个意思是节目单。李斯特是最重要的标题音乐作家，但他也部分使用绝对音乐的意思，但其实风格和情绪都是交响诗的，也是标题音乐手法。李斯特之后标题音乐迅速衰落，但Richard Strauss也用标题音乐来控制乐队。Mahler开始质疑标题的作用，很多作品都没有注解。20世纪以来标题音乐已成旧梦，但也有勋伯格的transfigured night等。

绝对音乐概念来自于德国，音乐的美在于其客观自身，音乐美之理由在于其自身。这体现了将音乐从其他束缚中解放出来的尝试。只有当音乐脱离于目的性，完全不能利用时，才能讨论其纯粹性。绝对音乐是理解20世纪的关键，召唤了很多作曲家对浪漫主义的反叛。现代主义的核心概念就是绝对音乐。

什么是音乐？如何理解音乐？音乐必须使人听，才能证明其存在的合理性。

勋伯格：月迷彼埃罗。

Vivaldi对自然的模仿。

梅西昂：异国鸟。作业：牧神午后。

第七讲 04/02/19

人类音乐聆听认知的基本顺序：体量、速度、拍子、音色（硬音色=换乐器，软音色=用和声）、旋律、结构。这是欣赏顺序，而非创作顺序。作曲家需要首先考虑旋律，而聆听者首先接触到的不是旋律。这与音乐的六支箭头笔还是有些不同的。前面三者形成的是音乐的情绪，后三个形成音乐的情感。

音乐的6+1>7是有调音乐（大小调音乐），6-1=0变成了无调音乐。

Bach的功绩在于发扬了大调音阶和小调音阶，使得后续的音乐家有了创作范式。上面这个1就是音阶/调。音阶中依赖于主音而展开。如果音阶是自己随便造的、不和谐的，那么就是无调音乐了。

音乐按照国家/地缘/政治分类的七匹马车：意大利法国德奥俄罗斯、英美、其他西方国家，以及非西方国家利用西方音乐方法技术写作的音乐作品（风格既有本民族特点也有西方音乐风格体的）。

音乐按照本体分类：标题音乐，绝对音乐；有调音乐，无调音乐。

面对标题音乐还是面对绝对音乐，身份可以发生转化。

德奥音乐讲究装置感，就像德国肘子；二人对立、互相撕逼，最后全部统一。

法国音乐讲究色彩，非常sexy。洛可可：极度装饰过的意思，是巴洛克的升级。这种过度装饰直接导致了古典主义的诞生（reduced）。虽然柏辽兹写了幻想交响曲，但是仍然是法国人说德语。直到德彪西，法国重新拿回了其在音乐上的发言权。

意大利音乐：很线性，像歌曲，有面条感。意大利纯器乐在Vivaldi达到顶峰，而其他杰出的器乐都镶嵌在歌剧中。

  • 我们为什么喜欢音乐？

    歌剧：意大利语；音乐剧：英语。语言的语音语调和节奏作用于婴幼儿的听觉发育。

    在后儿歌期，很多人没有得到很多的听觉样本、没有得到合理的聆听方式，所以在儿歌期结束之后留下的仍然是儿歌期所获得的样本。

    要思考：为什么喜欢这个音乐？

    巴洛克音乐：Bass + rhythm。Lady Gaga Fugue.

    1. 引起好恶的关键因素之一就是音色。音色经验的熟悉度直接影响音乐偏好。
    2. 速度与节奏的熟悉度直接影响音乐偏好。
    3. 和声的熟悉度直接影响音乐偏好。《Danny Boy》Keith Jarrett。钢琴是单音色乐器，但是它具有软音色。不熟悉复杂的和声，则会讨厌那些和声变化复杂的音乐。
    4. 旋律的熟悉度直接影响音乐偏好。Phantom Opera。新疆节奏：他妈的老鼠。

了解这些东西的目的就是为了找到自己的听觉盲区，再去突破。

调：Key。调性：Tonality。Key只是一个单音，一个八度有12个key。调性是音阶，要以一个key为准而产生一系列变化。

动机设计的动力展开：基于动机将音乐由小变大的过程。这是西方音乐作曲法的核心概念。

奏鸣曲式为动机设计和动力展开提供了结构的可能性。奏鸣曲有一个专门的展开部，就是提供了专门的场地用来进行高水平的动力展开。但是回旋曲没法进行动机展开，只能是时间上重复的结构。所以贝多芬柏辽兹就可以大型展开，而Vivaldi和Bach就没法进行动力展开。

奏鸣曲、协奏曲是风格术语，回旋曲式、奏鸣曲式是结构术语。

技术听点：演奏的高难度部分 和 素材的必要部分。听见和听到不一样，听见了动机和内容才叫听见。

轰鸣音效：乐器的自然发音条件 和 乐器的演奏技巧方法。热情奏鸣曲、黎明奏鸣曲。

音乐风格迁移：原本与副本。

这是要疯啊：巧妙模仿了和声。织体：单声、和声、主调（各个线条有主次之分）、复调等。体量直接涵盖织体。

第八讲 04/09/19

人类音乐聆听认知的基本顺序：体量、速度、拍子、音色（硬音色=换乐器，软音色=用和声）、旋律、结构。前三个决定音乐情绪，后三者决定音乐情感。

  1. 体量（Body/Masses）

    音乐的强度和厚度和层次的总和。乐器做功（强度）、乐器数量（厚度）、声部数量（层次）影响体量。

    《行星组曲—Jupiter》：对管乐器编织极其丰富，体量很大。

    标准木管五重奏 = 长笛 （为了实现复杂演奏能力，给木管上加上了金属器件）+ 单簧管 + 双簧管 + 圆号 （半木管半铜管）+ 大管。

    学乐器时老师强调强弱，实际上就是控制音乐体量。

    作品的艺术：在任何细节上作曲家都有要求。别人拷贝作品，不可能拷贝走左右的风格要素。

    《行星组曲—Mars》：五拍子，弓杆击弦。体量变化对比惊人。音乐不处理体量就没有感染力。5.1环绕立体声：五个音轨。

    《帝国进行曲》：强度平均，体量变化不大，为电影画面服务。

    康塔塔（Cantatas）大合唱（1935-36）：Carmina Burana，三拍子，第一个音从第二拍进。（Yellow River Cantatas）

  2. 速度（Tempo & Movement）

    速度Tempo，乐章Movement。乐章是速度运动变化的结果，四个乐章就是四个速度。Allegro快板-开心，Lento慢板-心情难过低沉。意大利语原意就是心情怎么样，而非直接描述速度。

Allegro 快板

Allegretto 稍快板

Moderato 中板

Andante 行板

Adagio 柔板

Lento 慢板

Largo 广板

低声部应该在远景，中声部在中景，高声部在近景。

Gould演绎的土耳其进行曲非常慢，突出了其进行曲的特质和左手模拟土耳其打击乐的轰鸣效果。

  1. 拍子

    中国人在1840年之前打拍子是靠诗歌。“白日依山尽”是三拍子，“两个黄鹂鸣翠柳”是四拍子，“关关雎鸠”是二拍子。直到宋朝的时候词带来了更复杂的拍子。

    拍子分为明暗拍子。明拍子很明显，比如约翰施特劳斯的《蓝色多瑙河》。暗拍子：拉威尔的《圆舞曲》，故意避开了明显的三拍子。学一学三拍子跳舞！！！

    穆索尔斯基：图画展览会（可以迁移成西北民歌）是五拍子和六拍子混合。

  2. 音色Timbre

    硬音色：换乐器；软音色：和声。

    《滚核桃》

    打小军鼓是西方打击乐的基本功。

    《钢琴小品集》《木管五重奏六首小品》。匈牙利音乐利用五声音阶（中国音乐过去的）。

    《鸡腿上的巫婆小屋》

    和声形成微妙的软音色。

    舒伯特：《魔王》。

    声音大于音乐！！！

第九讲 04/16/19

再一次，音乐欣赏的六个顺序：

体量、速度、拍子、音色、旋律、结构。

  1. 旋律 Melody

    运动的单音就是旋律。简约音乐，极简主义。极简主义音乐用于寺庙，不断重复，形态简单，不至于分身，从而用来还魂。简约音乐并不简单。简约音乐特别适合做电影音乐，不至于太分散注意力，但是可以通过节奏和体量的变化来烘托电影情绪。

    动机就是一个旋律形态。基于单旋律的变化叫做变奏 Variation. 变奏不可以离开母体，母体一直在变奏后面飞行。之前我们讲过重复，但是变奏是一种变化型重复。A — B — A：主歌、副歌、再现。再现段绝对不能与主歌一摸一样，节奏体量等都可以变化。这样就是变化型重复。

西方音乐：

变奏的母体叫原型，后来的变奏都是原体的变体1、变体2、变体3. 母体如果是16小节，则后来的变体都是16小节。这叫严格变奏。如果允许微调就叫性格变奏。西方变奏：不管儿子变成什么样，都能听出她妈的味儿。速度基本保持一致，方正规则非常清楚。所有变奏可以形成一个群？？？

马勒第一交响乐的第二乐章：两只老虎。

大调：全全半全全全半；小调：全半全全半全全。

从而看起来，这些变体的相似性非常高，同时做一点点小小的变化。变奏曲最后加了一个尾巴，为了平衡音乐，最后那个尾巴不在母体之中。

中国音乐：

中国人喜好装饰一个音，让一个音发出很多效果。就像一个字可以发出不同音。在音乐中叫做润腔，在画画中叫润色。西方音乐的“字”演奏出来之后就不能再追加变化，而中国传统戏剧中的字的发音都可以即兴润腔。中国音乐分阴阳，要么阴生阳减，要么阴减阳生。二泉映月中，A1大于A，A2也可以小于A，在做阴阳调试。阴主题A可以展开，阳主题作为定海神针。中国音乐在轮转，绕毛线团。A变小B变大，A变大B变小，B起的作用就是把旋律拉回原点。A可以展开很多很多，B就还是那么一句。二泉映月确实是一个长大的变奏曲。

上面说的B就是中国诗歌的韵脚。阿炳可以将二泉映月无限延伸，只要有出式、收式，其中的内容都可以流动。绝没有一个定版的“二泉映月”。道光年间就有“鲜花调”，就是后来的茉莉花。中国音乐口传心授，没法固定。艺术一旦定型，就宣告了她的死亡。中国音乐没法用大型乐队齐奏，就好比1000个人在操场上齐打太极一样讽刺。二泉映月的定弦比普通二胡要低五度，在G和D上，符合作品需要的低沉音效。

Debussy将法国从德奥交响乐中解救出来。

法国音乐的基本形态：精于线性装饰、精于弹性速度、精于描摹形态、精于新型音阶、精于法式唯美。（王尔德的墓在巴黎，不远处就是肖邦的墓。华沙大学的对面存着肖邦的心脏。）王尔德：为了艺术而艺术。Art for art’s sake. 纯唯美。

俄罗斯音乐史：”大哥报幕居巴黎，老柴厕所削萝卜丝“。俄罗斯音乐既亲法国又远法国，既亲德奥又远德奥，后来又带上了俄罗斯自己的毛子色彩。

印象主义 + 象征主义是在一起的。Monet重新结构对画布的理解，莫奈强调的恰恰是过去精雕细琢画家忽略了的东西。《自由领导人民》是浪漫主义绘画的高潮。印象主义反对Wagner的浪漫主义。

牧神：长得很好看，下半身是羊，头上有犄角，尾巴是羊尾巴。传说中西方的笛子就是牧神发明的。牧神午后像牡丹亭？？？牧神午后在树下做梦的时候与山间仙子欢会（性爱）。《牧神午后》是单乐章，是带标题的交响诗，直接表达了诗歌的内容和感觉。牧神醒了之后，吹起了笛子（排箫？），而后渐渐陷入fantasy。结构是ABA形式。

牢记：打击德奥音乐风格（分块整齐），想要形成法国自己的音乐风格。

牧神午后第一句就是笛子，因为牧神就是吹笛子的。德彪西用竖琴构造一个A型，德彪西的音乐不用“解决”。牧神午后是十九世纪向二十世纪过渡的标志作品。德彪西使用圆号造成了音色的高度不明确（圆号在德奥音乐中只能用于战争胜利）。

中国人和西方人对于空间结构的理解不同，造成了音乐风格的巨大差别。

第十讲 04/23/19

今天要讲音乐的结构和调性 Key—tonality。前三个环节（情绪）到后三个环节（情感），中间有个过渡就是音色和演奏者。倒序是创作者的方式，顺序是聆听者的方式。我们可以经常按照倒序来体会创作者的感觉。这6个环节最后的，是调性，是与情绪变化不相关的。一个善良的人并不会因为情绪差而变成不善良的人。调性就是这个”善良”的人格。速度节怕体量是情绪，但是背后的调性是最基本的property. 只有积累样本够多，才能对音乐的人格产生合适的判断。

中西互证，货比三家

回归曲式与回旋曲式完全不一样，回归曲式依赖于一条清晰可见的旋律。只要这个旋律出现了第二次，那这个旋律就回归了一次，无论在什么调上。Vivaldi四季《春》的重复性/回归性极高，巴洛克时期的旋律回归是相对单调的，调子可以乱换，只叫做回归曲式。勃兰登堡协奏曲中，Bach写出的A段重复了8次，但是每次调都不一样。两头是一样的，但是过程是失控的。中国音乐守着一个调，但是西方音乐必须要换调。西方音乐模仿情感，情感=调式，情感不稳定=调式不稳定，但是音乐需要使人稳定下来。所以到了古典时期，旋律的回归必须在一个key调上了，但是不再强调完全一样的旋律，这就叫做回旋曲（Rondo）。这样的话，音乐走向抽象。回旋/回归曲强调两头的一致。

反复需要间隔（ABA），重复不需要间隔（AAA）。

回旋曲：重复出现的是叠部，中间插入的叫插部。土耳其进行曲就是”土耳其风格回旋曲”，回旋的部分一定是同一个调子，而插入的部分可以用不同的调子。土耳其进行曲的叠部出现在插部之后，与其他的经典的不同。

Sonata：第一次出现叫呈示部，第二次是再现，中间的间隔作为两次旋律反复的间隔。横向的旋律发展与对比导致了戏剧性的形成。单词Tonality表示的是”中心”的意思。音乐有上行和下行，所有音都得尊重首音，所以首音就代表tonality。西方音乐规定首音和五度（属音）关系最近，往下数五个音（Fa）就是下属音。一个是上方五级，一个是下方五级。一级调往上数五个音就是属调，往下数五个音就是下属调。

奏鸣曲是两个主题互相撕逼最后统一。如果说变奏曲是基于一元的，那么奏鸣曲就是基于2个主题的。两个主题的旋律形态性格不同，第二个是调高不同。西方音乐绝大部分都是以广泛的reasoning（把具体的旋律抽象为公式）为基础的。所以作曲家需要把旋律变成公式，再在各个调和时间上安装。纵向关系的旋律安置法导致了交响乐的诞生。

一个旋律可以在现在一级调上，再跑到五级调上，再回到一级调。这种以调性对立象征矛盾，以调性统一代表矛盾解决，这种写法就是奏鸣曲方法。奏鸣曲结构不复杂，复杂在调性上。

呈示主部（一级调）和呈示副部（五级调）的调式不同，互相撕逼到最后，这两个部都到了一级调上了。它跟变奏曲的不一样是：变奏曲是基于1的，而奏鸣曲一开始就是冲突的两个主体。从而音乐变成了拟人、可以表达人类情感的东西。这体现了一个契约精神。主部和副部在慢慢磨合调试中会取得一致的部分，并不是说主部比副部更高级。在磨合中双方都知道了对方好在哪里，通过一个契约达到了平衡和一致。但中国社会没有奏鸣精神。Molly‘s game是个变奏曲，基于一个女孩的故事来发展。间谍之桥Bridge of spy就是一个奏鸣曲，基于两个人的故事来发展，戏剧性和动力性特别强。西方文学和音乐的最高水平都是遵循奏鸣曲式。

呈示部需要重复，需要让听众们记住呈示部。Coda相当于一个过渡段和结尾段。样本：Beethoven Piano Sonata 8. Op. 13。

莫扎特40奏鸣曲：发展部中第一主题是fragments：在不同体量上重复。

巴洛克音乐没法做渐强和渐弱，只能做阶梯式的体量变化。到了古典音乐，人们要求渐进变化和感情需求。

旋律主题就是曲调

曲：单音线条（旋律的线条）

调：高度范围

段：曲调开始

落：曲调结束

但凡说到旋律曲调，就必须从”调”开始理解，否则就是中国式听觉。中国没有变”调”的思维。 西方音乐的根基在于调，单音基于调高-音阶-调式-调性，横向单音形成旋律结构，纵向单音形成织体和声。

莫扎特的第四十奏鸣曲Sonata

贝多芬的Sonata和Concerto

钢琴可以变化强弱，而非harpsichord只能变化乐音而不能变化强弱。

曲式结构概要

第十一讲 05/07/19

情绪到情感：旋律带给你的是情感，旋律在不同段落不同位置体现的是情绪。

定调定式定型，定色定拍子定速度定体量。这是作曲家创作的顺序。

奏明原则在西方音乐是最高原则，章回体是中国文学艺术的典型形式。中国章回艺术有小高潮，但是没有大高潮。奏明原则是二元对立，双方抗争最后和解；中国是一元到底。从聆听西方音乐中，可以了解到西方哲学。干任何事都要有自己的理解。奏鸣曲蕴涵着逻辑，但又局部打破逻辑，重构形态，最后谈判和解。

西方人理解动力展开和动机设计与中国人不同。《贝多芬第五钢琴协奏曲》第三乐章：回旋和奏鸣。贝多芬倾向于给奏鸣曲再写一个新的尾巴。32个奏鸣曲的第一乐章都是奏鸣曲。《贝多芬第四钢琴协奏曲》惹怒了贝多芬，因为华彩乐段被过分演奏了。”没有好老师，只有好学生。” 从贝多芬第五钢协以后，钢琴家再也不会即兴了。在Mozart那个时代，所有钢协都有即兴段落。即兴能让音乐找到自己，中国音乐教育没有即兴。

贝多芬有主部+副部1+副部2+主部，既有奏鸣又有回旋，就是回旋奏鸣曲。此曲的展开部各种转调，增加了展开的材料，但是时常不至于太长。反复换调，反复换高度，就是为了唤起动力展开的动力。回旋奏鸣曲就是建筑中的复式结构。

西方音乐基本乐理：音符、单旋律写作、和弦、和声、作平分析和写作。瓦格纳的音乐是半音系统的代表，贝多芬的音乐依赖于自然音系统。在自然音系统，必须要尊重调性和主音的地位。无调性音乐取消了主音的地位，放弃了任何音的特殊地位。古典主义=自然音系统；浪漫主义=自然音系统+半音系统。勋伯格发展了表现主义音乐，依赖于无调性。

20世纪以来，声音大于了音乐，除了音乐，二十世纪音乐家们强调了别的音乐。

二元对立 = ☯️

（音乐的听力是球状的，是所有感知过程中最全面的）

第十二讲 05/14/19

音乐情绪和情感的baseline都是调和调性，6 + 1 > 7, 6 - 1 = 0.

Rock and Roll材料1: 麦当娜Vogue。带有爵士乐的风格，MTV将视觉和听觉作为综合艺术品。RnR是固定体量、速度、节拍、音色，所以关注的是旋律和结构。歌曲中VBB发挥作用的原因就是因为在RnR中前四者没什么变化。流行音乐一般就是三个pattern，而A段和B段常常都是一个调，原因是人声的音域狭窄，不支持乱换。歌不够，说话来凑（C段）。这个歌的C段很长，略即兴，所以有点jazz。歌词的用处就是固定旋律。

印度电影遵守梵剧的传统，歌舞还要演给神看。贫民窟的百万富翁是宝莱坞拍的好莱坞片子，因为没有大型歌舞桥段。很多歌曲没有function，所以很多美国人在开始跳舞的时候就去上厕所了。梵文诗歌就是ABBA形式的，这跟印度电影音乐一样。

总之：舞曲型歌曲的前四个特征都不变，只关注旋律和结构；非舞曲/进行曲型（抒情类）会变拍子、体量等。

欣赏歌的五个办法：考察人声音色、考察文字功夫、考察旋律感觉、考察结构认识、考察表情水准。

  1. 识音之质：人声音色：人声反应不同文化和社会对待音乐的价值观。音色是最直接的信号，是人听歌最先接受到的信号。高中低三大声部，还可以根据性别分类。音色在人们接受音乐自身的内容之前就影响了人们的判断。声带在整体震动的时候永远不会坏，唱歌就要用整个声带。不同文化对人声音色的理解不同：东方呼麦，西方美声，韩国盘索里。Soprano, alto, tenor, bass. 花腔女高音、抒情女高音、戏剧女高音，spinto女高音。波西米亚是逆反和叛逆的代称。《图兰朵》

  2. 识意之深：听的是有歌词的歌曲还是没有歌词的歌曲。歌词听不懂的都是song without words。当听懂了歌词之后，就可以识意之深了。歌词与曲子是相互搭配，相互提升的。反声男高音 counter-tenor. Lute琴来自于阿拉伯的Ud琴，分为弹拨的和拉弦的，波斯语Tar是弦的意思。Lute琴鲁特琴诗琴的其他弦可以帮助弹拨弦来共鸣，音色好关键要泛音多，共鸣弦可以用来增加泛音。Lute琴在欧洲风靡了200年（15，16世纪），在之后被乐队革命代替，因为Lute琴第一声就是噪声，无法多人同时演奏出和谐音乐。从而西方人把Lute琴机械化改编成了羽管键琴。

    样本：Amarilli，对6个因素都做了变化。

    歌词的组合方式是旋律结构的基础（如果是给词填曲的话）。听者自身的母语文化和多语能力影响对歌曲的欣赏水平。19世纪德语艺术歌曲是西方浪漫主义音乐的一大成就。

  3. 识曲之妙

    听点：

    1. 文字与音乐协调否？第一段字少腔多；第二段都长，以长打长。《玫瑰三愿》。上海音乐学院的三门必修课：古诗文研修、旧乐沿革（将中国古乐铺翻译为五线谱）。玫瑰三愿只唱一遍，因为歌词不适合反复。结构不提供唱第二次的可能，所以速度就会更慢。中文字特别消耗音符，比如hua花。从而谱曲受到文字限制。
    2. 是否融合？曲依文字而生？”依字行腔，腔随字转”。
    3. 是否新意？音乐超越歌词，旋律美感。音乐从旋律开始生长。

  4. 识体之工

    提炼结构。魏晋南北朝时把乐谱叫做声曲折。主歌一般是独唱，副歌一般是齐唱。三段体的歌曲结构可以归纳为ABA。中西方音乐的最大区别是复调与单声。三度创作：创作、演奏、欣赏。三者创作的顺序都不同，最好的体验是求同存异。folic acid叶酸抵抗口腔溃疡。

    Cantata大合唱，Sonata器乐演奏。将歌剧用英语处理 = 音乐剧。

    Aria咏叹调，Bel Canto美声，Recitativo讲话喧叙。

    Libretto剧情，character角色，bel canto音色，aria recitativo唱的内容。

    Concerto: 三个乐章快慢更快体现了动力展开。西方古典中最牛逼的流行音乐就是协奏曲。除了有曲子，还有角儿。快板奏鸣曲 （有可能是一代二）+ 中慢板的二乐章 + 舞蹈性格的大拍子性质的舞曲Rondo。协奏曲的cadenza中，作曲家站在台后，演奏家站在台前。

    主部主调 托两个抒情副主题，第一主题出来之后有两个exposition，双城市部，小提琴来一遍，乐队再来一句。大型乐团先出现，后面就有个solo；solo先出现，大型乐团后面也有个展示。最后快要冲关的时候，有solo的cadenza，给整个作品打上自己的烙印。

    Epilogue

    1. 题目可能难，但其实还行，课程目标一定能实现
    2. 如何听人分为听作曲家和听演奏家。只有对于某一版本的诠释有深刻印象，才能进行比较。
    3. 货比三家，有货才能比。有货比货识货。海菲兹不管拉什么东西，都比较快。
    4. 不要泛听，要静听。情绪与情感！
    5. 风格迁移：作曲家->演奏者->欣赏者。